Около 6 тысячелетий назад в Шумере (Двуречье) возникла легенда о сотворении первого человека из глины. Мол, боги не желали трудиться и обратились к дремлющему на своем ложе Энки (его величали Великим Премудрым Разумом), чтобы он создал для них помощников-рабов.

Энки все силы свои собрал, разум свой всемерно расширил.

Энки образ себе подобный в сердце своем разумением создал.

По его совету боги замесили глину и принялись творить род человеческий. Завершив дело, устроили пир. Одна из богинь — Нинмах — подвыпив, стала лепить из глины уродцев. Так появились люди с физическими недостатками (Энки каждому из них определил достойное место в жизни). С тех пор у людей родятся невинные жертвы пьянчужки Нинмах.

Почему в мифе первых людей сотворили из глины? Так шумеры воспели мастерство скульпторов, обладавших божественным умением придавать глине образ и подобие человека. Но были и неумехи, из рук которых выходили образы-уродцы.

В бурном ХХ веке изобразительное искусство заметно преобразилось. Возможно, скульпторы, утомленные подражанием классическим образцам или не способные приблизиться к ним, стали изощряться, создавая образы самого причудливого облика, преимущественно уродцев.

Свобода творчества! Если их разум порождает монстров, то почему бы не отразить их в искусстве? Это проще, чем соревноваться с классиками Античности, Возрождения, модернизма и неоклассицизма. Поклонники «авангарда», комментируя подобные творения, стараются приписывать им нечто оригинальное и парадоксальное. Увы, эти объяснения чаще всего рассчитаны на непритязательную публику.

И все-таки находятся смельчаки, готовые создавать изваяния в классической манере, без причуд. Они невольно соревнуются с Праксителем, Микеланджело, Роденом, Антокольским, Майолем, Коненковым, Эрзей, Голубкиной, Мухиной… Тут не сошлешься на заумные замыслы абстракций. Происходит приобщение к философским идеям и религиозным учениям. Автор побуждает задуматься о смысле жизни человека и общества.

Работы молодого мастера Алексея Леонова, выполненные из глины по классическим канонам, именно таковы. В его творчестве удивляет необычайное разнообразие образов и тем. Вот название некоторых крупных циклов его скульптур: Русь священная. Духовные учителя. Мыслители Античности. Образы христианства. Образы Востока. Семья Рерихов. Дети. Животные. Апокалипсис.

При встрече, я как-то спросил его:

— Алексей, почему вас так привлекают образы детей, мыслителей, религиозных учителей?

— Дети — средоточие мира. В них особенно ярко светит то, что называется искрой Божией. А учителя мудрости, жизни, добра, красоты стремятся сделать так, чтобы эта искра не погасла. Эти люди позволяют мне искать себя — в других, во всём. И ещё помогают мне во всём увидеть своё.

— Вы — верующий?

— Конечно… Пожалуй, мне особенно близок буддизм. И учение Иисуса Христа. В православном храме я испытывал сильные мистические переживания. Посещал его несколько месяцев. У меня постепенно стало накапливаться больше вопросов, чем ответов. Но разве дело только в религии? Мистическое состояние возникает в разное время: при чтении, стремлении что-то создать, во время работы. Возникает особое внутреннее восприятие. Как будто переходишь в иное пространство.

Психологи называют это переходом в иное состояние сознания. Его нередко вызывают искусственными способами или медитацией. Для одних это способ ухода от повседневности, суеты и забот. Другие таким путем стремятся приобщиться к высшим истинам или, во всяком случае, убедить себя в этом. Творческая личность — испытывает вдохновение и озарение; не замыкается в себе, а обращается к людям с посланием правды, добра, красоты.

Такие послания создаёт в скульптуре Алексей Леонов. По его словам, «под внешней видимой оболочкой, живет главное — человеческая душа». Вспомним «Маленького принца» Антуана де Сент-Экзюпери: «Зорко одно лишь сердце. Самого главного глазами не увидишь». Самое главное способно выразить только высокое искусство.Изваяния бессловесны. Эти образы призваны пробуждать прежде всего эмоции зрителя. Но чувство без мысли слепо и эфемерно: проходит как волна. Чтобы стать частью мировоззрения, остаться в душе человека, ему требуется помощь разума.

Вот Будда направляет младенца на путь истинный. Вспоминается поучение Будды — за полтысячелетия до Иисуса Христа: «Ибо никогда в этом мире ненависть не прекращается ненавистью, но отсутствием ненависти прекращается она». И ещё одна дхамма могла бы стать девизом Алексея Леонова: «Если что-либо должно быть сделано, — делай, совершай с твердостью. Ибо расслабленный странник только больше поднимает пыли».

Помимо своих духовных учителей, он изобразил и своего наставника в искусстве – украинского скульптора, народного художника СССР В.С. Бородая: красивое лицо, напряжённая мысль, проницательный взгляд.

Вообще, творческие личности в изображении Алексея Леонова обретают нечто общее: Василий Захарович Бородай, Архип Иванович Куинжи, Микеланджело Буонаротти…

У меня возник вопрос: почему избрал мастер именно Куинжи? Да, красивое выразительное одухотворённое лицо, гениальный пейзажист. Пришлось обратиться к биографии этого художника. О нём М.П. Неведомский писал: «Анахорет-демократ, расходующий гроши на личную жизнь, — и щедрый жертвователь на дело искусства… Непримиримый там, где дело коснётся его художественных убеждений, исполненный бурной энергии, властный, ни на вершок не сворачивающий с намеченного пути, — и мягко-сердобольный, снисходительный, нежный к людям и животным, особенно к страдающим, вечно готовый прийти на помощь чужому горю».

Неожиданным в исполнении Леонова предстал образ Микеланджело, который, по словам искусствоведа М.В. Алпатова, «обладал страстным темпераментом, был неужив­чив, горяч, но искренен и прямодушен». Леонов показал великого скульптора мыслителем и гуманистом, автором строк:

Душа моя желает избавленья

От рабства, лжи, пороков и тоски.

Свершаю я, всем бедам вопреки,

Божественное таинство творенья

Одно из наиболее известных его произведений — изображе­ние Творца перед касанием безвольной пока еще руки Адама. Свершилось телесное воплощение человека. Но творение не завершено: без творческой энергии, без стремления к высшему оно останется лишь внешним подобием божества. Такую одухотворённость стремится пробудить в людях Леонов своими творениями.

Христианский теолог и философ III века Ориген, «по уму и учёности знаменитейший учитель церкви», как писал о нём архиепископ Филарет (Гумилевский). Ориген был сторонником свободы воли, предоставленной человеку возможности выбирать между добром и злом, мудростью и невежеством, правдой и ложью. У Алексея Леонова Ориген, обучающий маленькую девочку, вглядывается в глаза зрителя, как бы спрашивая: а какой выбор сделал ты?

Арабский поэт и мыслитель ХIII века Руми — в глубоком раздумье. Его фигура олицетворяет напряженное самопознание. Чётки в руках сложились в цифру 8, считающуюся в мистике гармоничным сочетанием миров телесного и духовного. В горизонтальном положении она переходит в символ бесконечности.

Руми был пантеистом, учил любить человека, не взирая на его веру:

Вы, взыскующие бога средь небесной синевы,

Поиски оставьте эти, вы — есть он, а он — есть вы.

Но вот лицо человека надменного и грозного. Это — Чингисхан Темучин, великий полководец и завоеватель, создатель величайшей империи ХIII века. В отличии от Руми, он устремляет суровый взгляд вдаль, словно там, где-то за горизонтом цель, к которой он стремится. Но там открываются новые горизонты, а устремлённость к земным целям не даёт удовлетворения душе сильного человека, ибо при этом он теряет бесценные богатства духовного мира, ибо «царство Божие внутри вас».

А вот Перикл и Аспазия, олицетворяющие золотой век (V н.э.) Древней Греции — эпохи Фидия, Анаксагора, Эмпедокла, Софокла, Еврипида, Геродота, Сократа… В руках у них модель Акрополя. Великий правитель — великая страна, великий народ, великие свершения. Такое гармоничное единство — залог великих свершений.

…За последние десятилетия в изобразительном искусстве стали преобладать формалистичные изыски. Все острей ощущается дефицит содержания: интеллектуальности, духовности — способности мастера передавать серьезные идеи.

Пластические образы Алексея Леонова, исполненные в классическом стиле, выглядят авангардными для нашего времени. Пора провозгласить: вперед — к великому прошлому, к постижению человека не в уродстве и ущербности, а в красоте и гармонии!

У каждого возникают свои чувства и мысли в немом диалоге с творениями Алексея Леонова. Но мне кажется, это непременно будут чувства добрые и мысли светлые.

…Столетие назад русский философ Е. Н. Трубецкой издал свою лекцию: «Умозрение в красках. Вопрос о смысле жизни в древнерусской религиозной живописи». Он писал: «Древнерусские иконописцы с поразительной ясностью и силой воплотили в образах и красках то, что наполняло их душу, — видение иной жизненной правды и иного смысла мира». Тут же оговорился: «Пытаясь выразить в словах сущность их ответа. я, конечно, сознаю, что никакие слова не в состоянии передать красоты и мощи этого несравненного языка религиозных символов».

Алексей Леонов если и пользуется языком религиозных символов, то в философском смысле. Подобные попытки мастеров изобразительного искусства вторгнуться в область идей, где необходим язык слов и понятий, чрезвычайно трудны. Часто такое «умничание» вызывает разочарование. В искусстве воздействует на нас прежде всего не логика, а красота — не только телесная, но и духовная. Именно последнюю особенно трудно передать.

Евгений Трубецкой имел в виду это обстоятельство, когда сравнивал иконописные образы старых мастеров с более поздними, в которых преобладает телесное, а не духовное. «Икона, — писал он, — не портрет, а прообраз грядущего храмового человечества. И, так как этого человечества мы пока не видим в нынешних грешных людях, а только угадываем, икона может служить лишь символическим его изображением. Что означает в этом изображении истонченная телесность? Это — резко выраженное отрицание того самого биологизма, который возводит насыщение плоти в высшую и безусловную заповедь…

…Пусть видят народы, что мир управляется не одним животным эгоизмом и не одной техникой. Пусть явится в человеческих делах и в особенности в делах России и высшая духовная сила, которая борется за смысл мира».

Пожалуй, все сказанное относится и к воплощенным в глине образам Алексея Леонова.

 

Рудольф Баландин

Fine art from past murals in prehistoric times to abstract forms of modernity expresses the peculiarities of human perception of the world. Whether it is an image of an animal, a sculpture of a woman or a sculpture of a man, it is an expression of ideas about beauty, about ideas in the form or on the plane.

The image of men most often glorified the beauty of the heroic deeds of the heroes, imprinted in stone the greatest thinkers and spiritual mentors.

The sculpture of a man in the Archaic period of Greece dates from the 7th-6th centuries BC and was marked by mass images of kuros. These famous sculptures of young Greeks with a distinctive spiritualizing smile and with more precise proportions of the human body are attractive with their beauty and restraint. It was during this period of the formation of sculpture as a separate type of art – the idol was transformed into a concrete image of a person.

Lightness and cheerfulness is distinguished by the work of the ancient masters of Greece. The most famous antique sculpture of men “Apollo Shadow” was created around 550 years. BC. The ancient Greek word “kuros” was called a young man, a young soldier. Greek sculpture of a man of this period is distinguished by compositional frontality and standard posture: young heroes stand upright, slender, walking forward (with left leg extended), arms lowered along the body – extended, pressed to the hips, fingers – bent.

The monumental sculpture of this time is represented by the heroes of myths of ancient Greece. In the temple of Artemis (around 590 BC), relief compositions dynamically reveal the plot of the famous myth of Medusa-Gorgon and Perseus.

The antique man sculpture  from the composition “Kuros from Piraeus” of Athens is remembered by beautiful more elaborate facial features and sustained body proportions.

The sculpture of a man of this period is symmetrical, the masters of sculpture of Greece tried to achieve a perfect fit of body parts. Such is the sculpture of the man “Critius Boy” was created during the first Greek-Persian war around 480. BC e. The work demonstrates not approximate, but mathematical calculations in the image of the proportions of the human body.

By the end of the VI century. decreases the number of orders for the image of tombstones of young men. Greek sculpture such as kuros loses its relevance and a transition is made to the image of real people. Among the examples of the early period is a sculpture of a man from the composition “Garmody and Aristogiton” (c. 500 BC). Despite the preserved features of the formalities of kuros, the sculptures become much more lifelike. This memorial was erected in Athens as a symbol of democracy and served as an example of a departure from the iconographic depiction of kuros and at the same time a change in the aristocratic system.

The Greek man sculpture  “The Horseman of Rampin” and the stela of Aristion was created around 500 BC. resolved quite constrainedly, but the exact transfer of body plastic and internal dynamics symbolizes the transition of art to more significant achievements in the period of classics.

28 января 2009 года в Международном Центре-Музее имени Н.К. Рериха открылась персональная выставка скульптора Алексея Леонова «У порога Нового Мира». Вновь МЦР предоставляет свои залы для работ молодого мастера, за плечами которого несколько персональных выставок, две из которых прошли в стенах Музея имени Рериха.

Алексею Леонову – двадцать шесть лет, но о нем уверенно можно говорить как о состоявшемся мастере, творчество которого неразрывно связано с Учением Живой Этики. Многие залы Музея имени Н.К. Рериха украшают его скульптуры, воссоздающие в объеме картины Николая Рериха. Молодой скульптор обладает удивительным даром переносить образы с плоскости картины в объем, и если великий Роден в своих скульптурах «отсекал от камня всё лишнее», то об Алексее Леонове можно сказать, что он лишь добавляет картине глубину. Таковы его «Мадонна Орифламма», «Матерь Мира», «Ведущая» и многие, многие другие работы.

Высочайшую точность портретиста проявляет художник, создавая портреты Николая Константиновича и Елены Ивановны Рерих. Эти бюсты, кажется, сияют внутренним светом, перед ними посетители выставки останавливаются надолго, вступая в одним им ведомый внутренний диалог с Учителями. Особенно хочется отметить работу «Елена. Мечта», воплощающую образ Елены Рерих в детстве. Основой для скульптуры послужила известная фотография, но скульптура Алексея Леонова не копирует ее – перед нами зримое воплощение юного духа, стремящегося к высотам Истины.

Известная пословица гласит, что истина глаголет устами младенца. И эта мудрость зримо воплощается в одном из лучших скульптурных циклов Алексея Леонова – в образах детей. Малыш, совершающий первые шаги по миру, – не это ли образ человеческой души, ежечасно открывающей для себя Вселенную? И в творчестве молодого мастера младенец становится символом духа, сохранившего себя в чистоте, сохранившего умение воспринимать мир не разумом, но сердцем, сохранившего ощущение сопричастности всему мирозданию… то качество, которое, увы, теряется с годами. И неудивительно потому, что эти младенцы восседают на лотосовых тронах – символах глубинной, сердечной мудрости. Так мастер использует иконографические мотивы буддизма для своих скульптур. Тибетской традиции присущ образ Будды-младенца, и Алексей Леонов воплощает его в своих работах, воплощает по-своему, не следуя канону, но переосмысляя его. Скульптор переносит образы детей и в работы на христианские темы. По праву одной из лучших его скульптур называют «Христос и дети». Эта композиция не может оставить равнодушным человека любых религиозных взглядов… Однако молодой мастер смело идет еще дальше, создавая образ Христа-мальчика, задумчиво взирающего в высь.

Сочетание буддийской и христианской традиции, при глубоком осмыслении каждой из них, – это одна из ярчайших черт творчества Алексея Леонова. Пожалуй, в этом он более чем в своих работах на рериховские темы, выступает истинным последователем Учения Живой Этики: не смешивая две величайшие духовные традиции человечества, он находит пути их синтеза – на уровне художественных образов. И как бы ни были совершенны скульптуры Алексея Леонова по образам Николая Рериха – в них молодой мастер остается лишь изумительным копиистом; но его собственные работы, не только визуализирующие идеи Живой Этики, но и воплощающие их в оригинальных, непредсказуемых образах, – это дает скульптору право называться не только последователем Николая Рериха, но и в высшем смысле слова – Учеником.

Отдельно хочется сказать об оформлении выставки. Скульптор, будучи одновременно и автором экспозиции, нашел очень простое и сказочно удачное решение: в простенках между скульптур висят фотографии других работ, не вошедших в эту выставку, – отчего пространство зала как бы раздвигается вглубь. Но еще удачнее делают выставку постаменты скульптур – из мореного резного дерева, они создают ритм экспозиции, отчего зал семнадцатого века, с его крестовыми сводами, кажется галереей древнего храма: множество колон уходят вдаль, и на каждой стоит священный образ.

В новостной статье невозможно перечислить даже половину тех скульптур, что представлены на выставке. Рамакришна и Вивекананда, Иоанн Креститель и Сергий Радонежский, Кришна и Лао-Цзы, «Богородица Умиление» и «Мадонна Литта»… эта галерея высших, чистейших образов ведет нас по нашему собственному пути к постижению Истины.

Остается лишь сделать шаг в гулкую тишину музейных залов.

 

Международный Центр Рерихов

Выставка скульптур Алексея Леонова в галерее «Ижад».

Французский философ Дени Дидро сказал об искусстве скульптуры: «Это сильная муза, но молчаливая и скрытная». Организация передвижной выставки скульптуры требует не только немалых затрат, физических и материальных, но и наличия безупречного вкуса и умения «разговорить» экспонаты, разместив их так, чтобы свет и тени, гармонично сочетаясь, давали наиболее полное понятие о красоте, объемной соразмерности и сущности изображения.

Выставка молодого украинского мастера Алексея Леонова, включающая 45 работ и 66 фотографий скульптур, относится именно к тем событиям, что, раз случившись, могут перевернуть всю жизнь человека, — настолько могучая, полная гармонии энергия заключена в его работах. Живых, дышащих, возносящих дух к звездным просторам бесконечной Вселенной и освобождающих разум от мелочности и суеты. Она и называется «Думая о вечном».

Если диапазон человеческого голоса — три октавы, это уже выдающийся голос. Диапазон чувств, эмоций, мощной энергетики произведений автора, буквально захлестывающих зрителей, границ не имеет, находясь где-то на пределе безумной душевной тоски по совершенству, нежности и доброте.

Родившийся в семье военных в городе Сумы, мальчик уже с двух лет со знанием дела лепил зверей, наделенных  человеческими глазами и мудростью. А когда Алексею исполнилось три года, случился Чернобыль. Мальчик заболел, и только тот необыкновенный дар, что не давал его разуму покоя, а рукам — отдыха, заглушал боль. Может быть, случившееся и привело к тому, что уже в 14 лет Алексей начал задумываться о том, что не зря же пришел в этот мир, если способен извлекать из мертвого камня живую душу. «Цель моей жизни, — говорит ныне выпускник Национальной академии изобразительных искусств и архитектуры, — помогать людям воспринимать новое, светлое, духовное». На счету мастера около 40 персональных выставок, посетители которых единодушны в своих оценках: «Божественно, удивительно, нет слов». И их действительно не хватает, чтобы понять, как совсем молодой человек, всего лишь 28 лет от роду, сумел соединить в себе и выразить в скульптуре древнюю, скрытую в сумеречном тумане веков глубокую мудрость Востока, светлое добро и бесконечную любовь, что несут в себе святые православной веры.

Кажется, будто мастер жил и творил с самого начала времен, наблюдая за рождением юного мира и предвидя грядущее. Он видел совершенство еще не согрешивших Адама и Евы, полных беспечного счастья райского бытия; горестное лицо Иисуса, уже готового принести неизбежную жертву, но все еще так по-человечески надеющегося избежать скорбной участи («Моление о Чаше»); глаза Сергия Радонежского, вобравшие всю мудрость мира, всю тревогу за неразумное, заплутавшее в темноте сомнений и неверия человечество; очищающий удар меча незыблемого в праведности своей миссии Последнего Ангела. Он странствовал в белых песках Египта, где в прохладных покоях царского дворца великий фараон Эхнатон благоговейно прикасался к изящным пальчикам прекрасной Нефертити, ночевал в масличных рощах Греции, где жили герои и боги, часто спускавшиеся на землю, и всесильный Зевс, превратившийся в лебедя, трепетно обнимал хрупкие плечи улыбчивой Леды.

Его герои — Бог, ангелы, святые, герои и духовные учителя человечества. Его скульптуры можно назвать молитвами о мире. «Нам доступны высокие достижения человеческой мысли за многие тысячелетия. Мы можем не только все это повторить, но и улучшить», — так определяет автор суть своей работы. Алексей убежден в том, что жанр скульптурного портрета очень сложен: «Моя задача — реконструкция души в портрете. Я стараюсь ощутить великую личность как современника и наделить портрет чувствами, ощущениями, мыслями, которыми жил этот человек. Великий Роден утверждал, что в 99 случаях он лепил свои скульптуры с натуры. И когда ему указывали на присутствующую в них несоразмерность, он отвечал: «В моих работах — только правда, правда внутренняя».

Шамот — керамику, получаемую из крупнозернистой огнеупорной глины, обожженной особым способом, использовали в глубокой древности. Он похож на состарившийся природный камень с трещинами и сколами. Алексей считает, что это не просто материал, он — живой, мягкий и теплый.

— Восприятие происходит на уровне подсознания, где таится и хорошее, и плохое. Ведь настоящий храм человек строит в своем собственном сердце, — говорит мастер. — В современном искусстве при изощренном языке содержание зачастую ничтожно».

 Между творением скульптора и человеком возникает незримый мост, по которому душа стремится к душе, чтобы прикоснуться, понять, чтобы легким вздохом отлетели от сердца тоска и скорбь одиночества. А в шорохе листвы, предчувствующей долгий зимний сон, прозрачных по краям обрывках облаков, кружащих, как птицы, в высоком еще небе, гуле ветра, нашептывающего вечную сказку жизни, чудятся тепло и шелест ангельских крыльев, незримо защищающих нас от земных печалей и напрасных сожалений. И все будет хорошо.

Елена ШАРОВА.

09.09.10 (газета «Республика Башкортостан» № 173).

Источник

Выставка Алексея Леонова в Международном Центре-Музее имени Н.К.Рериха.

«И долго буду тем любезен я народу, что чувства добрые я лирой пробуждал…» – писал Пушкин. Чувства добрые… Насколько актуально это в наше время!

Именно эти добрые чувства несут работы молодого скульптора Алексея Леонова. В этом убедились москвичи и гости столицы, собравшиеся 15 марта на торжественном открытии выставки «Путями Духа» в Международном Центре-Музее имени Н.К.Рериха.

По традиции вернисаж предваряют выступления профессионалов. Руководитель автономной научной группы Виктор Жигота, референт-хранитель Отдела передвижных выставок Музея имени Н.К.Рериха Дмитрий Ревякин, исполнительный директор Международного движения «Всемирный День Культуры под Знаменем Мира», член Иркутского отделения Международной Лиги Защиты Культуры Николай Макаренко, редактор, ведущая рубрик «В мире прекрасного» и «Литературные страницы» журнала благотворительного фонда «Дельфис» Адель Кабанова сказали много хороших и добрых слов о творчестве Алексея Леонова, о его новых работах.

Особенно эмоционально прозвучало выступление писателя, геолога Рудольфа Баландина. Он автор книг, многочисленных статей и очерков, темы которых – история Земли и жизни, взаимодействие общества с природой, судьбы материальной и духовной культуры. Недостаточно раздумий о благе человечества, считает он, – нужно действовать. Так, как это делает Алексей Леонов, воплощая свои образы в скульптуру, пробуждая тем самым высокие чувства в человеке.

На выставке представлено около восьмидесяти скульптурных работ и фотографий, большинство из которых экспонируются впервые. Их можно разделить на две группы – скульптура-портрет и скульптура-чувство. Портреты узнаваемы и точны. В своих скульптурных портретах Алексей делает акцент на глаза. «Это непросто, рассказывает он. – Далеко не все скульпторы отваживаются изображать зрачок. Очень часто он прорабатывается схематично, потому что если ошибешься, то работа будет испорчена. Как бы ни точно ты передал общие черты, овал лица, нос, отдельные детали, но если не получились глаза, то портрет будет непохож. И наоборот, можно не очень точно изобразить черты, но правильно выразить состояние глаз, передать их точно по светотени – и сразу человек будет узнаваем».

Радость и чистота переполняют зрителя, когда он всматривается в такие работы как «Молитва». Белая фигурка молящегося ребенка со сложенными вместе ладошками – сюжет достаточно прост, но есть нечто, что заставляет тебя переживать и отголосок детской чистоты становится частью твоей души…
Это Нечто и есть душа Мастера. «Душа обязана трудиться, и день и ночь, и день и ночь», вспоминаются стихи Заболоцкого. Душа Алексея трудится неустанно. Он еще совсем молод – свое тридцатилетие он отметит в следующем году – а как много он успел! Закончил художественную школу. В 18 лет отправился искать истину в молодежный Экуменический центр во Франции. По дороге побывал в Дрездене, Риме, Флоренции, Милане, Венеции, Париже. Потом была учеба в Национальной академии изобразительного искусства и архитектуры, аспирантура, вступление в Союз художников Украины.

Свою встречу с Людмилой Васильевной Шапошниковой считает неслучайной. Он принял участие в тематическом конкурсе в Санкт-Петербурге, а через полтора года Людмила Васильевна, которая увидела его работы в Петербурге, пригласила Алексея участвовать в оформлении зала Живой Этики. С тех пор его творческая судьба тесно связана с Музеем имени Н.К.Рериха.

Сейчас Алексей живет в Москве и по-прежнему много работает. Его фото- и скульптурные выставки проходят во многих городах России.

Сегодня молодой скульптор работает над образами Гагарина, Циолковского и Королева к 50-летию полета Юрия Гагарина.

Выставка скульптора Алексея Леонова проходит в Музее имени Н.К.Рериха.

Источник

Исторические личности, продемонстрировавшие возможности человеческого гения, предстают в скульптурах Алексея Леонова. Выставка его работ открылась в Литературно-мемориальном музее А.М.Горького. Они экспонируются в Казани уже второй раз.

Мастер живет и работает в двух странах – на Украине и в России. Он закончил Национальную академию изобразительного искусства и архитектуры Украины (класс выдающегося советского скульптора, академика Василия Бородая). С 18 лет участвует в выставках и конкурсах. Сейчас в его творческой биографии около 50 персональных выставок. В этом году в городах России установлены памятники и бюсты Юрия Гагарина работы Алексея Леонова. Действует «космическая» фамилия скульптора, шутят журналисты. Взгляд художника действительно обращен в высшие сферы.

Вот Георгий Победоносец поражает копьем змия, обвившего его ноги. Скульптура передает не только известный библейский сюжет, но и символизирует главную победу, которую может совершить человек, – победу над собой. Царь Соломон опирается на жезл, другая его рука приложена к груди. В этом жесте и царственность, и смирение правителя, для которого власть – прежде всего долг, ответственность перед народом, которому он служит.

На выставке много детских образов. Например «Молитва». Девочка произносит слова, обращенные к Богу, и вокруг нее образуется огненный круг из добрых, светлых мыслей, которые ребенок посылает в пространство.

Устремленностью к прекрасному пронизана вся атмосфера выставки. Не случайно, приветствуя первых зрителей, Алексей прочитал стихотворение великого татарского поэта Г.Тукая «Гению», в котором есть такие строчки: «Лишь тот добудет свет, в ком жив высокий дух».

Диана ГАЛЛЯМОВА.

Источник: КАЗАНСКИЕ ВЕДОМОСТИ, Дата: 27.12.2011  Выпуск № 194

Passion for beauty directs humanity along the path of art. Sculptural creativity – the creation of voluminous works of art by carving, molding, carving or casting. Carving sculptures out of stone, the resistance of dense material is a rather laborious process. For the expressiveness of the plastic language, modeling is used with the use of plastic materials – clay, plasticine, etc.

What is art modeling from chamotte

Artistic modeling is a visual, attractive creation, reminiscent of the process of creating the world as a whole. Like the Supreme Creator, the sculptor is illuminated by the idea of ​​his future work and begins to execute – modeling – creates a form. Pliable clay subtly conveys all the features of the idea.

Sculptors of the creative workshop “Author’s sculpture” mainly create works from fireclay clay. What is fireclay? This is clay with the addition of already fired clay at the rate of about 30% of fine chips (0.2-2.5 mm) per working mass. Chamotte is formed in furnaces through sintering and is fired at a temperature of about 1500 ° C. Chamotte is called refractory clay.

Art modeling from chamotte is denser, more pliable and solid than from ordinary clay. At the first stage, the master takes the shape of the future sculpture by superimposing fireclay ropes on top of each other: the softened clay is rolled into a long round roller – forms the walls of the sculpture. And this is just the beginning! Artistic modeling implies mastery of the proportions of the human body, portraiture, understanding and embodiment in the form of the laws of harmony of form.

Art modeling from chamotte was widely used in antiquity. Thus, the famous Chinese warriors of the lost terracotta army were created – the burial place of Emperor Shihuang (210 BC). Numerous paleontological finds indicate the use of artistic modeling. For example, Venus among the Scythians, Greek terracotta figurines – coroplastics – artistic clay modeling of girls.

[Rl_gallery id = “5661”]

By the way, “terracotta” is an Italian word, which literally means burnt clay. The purpose of the terracotta figurines was mainly ritual – offerings to temples, placement on home altars, associated with escorting a person to the other world.

Art modeling workshop “Author’s sculpture”

The sculptures of the creative workshop were mainly created by the method of artistic modeling from chamotte. Sculptor Alexey Leonov uses this technique especially skillfully. For example, in portrait art, thanks to the plasticity of chamotte, the artistic modeling of A. Leonov reaches a high degree of persuasiveness, a vivid perception of the portrait person is realized, the transfer of his inner world and character features through the chiaroscuro of the eyes, facial expressions.

Subject works are presented in a wide thematic range – from heroes of antiquity and myths to the embodiment of sublime states of consciousness in form.

All works, thanks to the texture of the chamotte and the peculiarities of the color of the material, are filled with inner movement – the life of the author’s spiritual inspiration.

Art modeling by Alexey Leonov affects the sensitive principle of a person. From the sphere of the spiritual world, the leading images are also imprinted in the form – sages, scientists, selfless heroes – mentors and teachers of wisdom. One of the most heartfelt images – Jesus Christ – is revealed in many ways in the versatile sculptures “Teacher of Love”, “Prayer for the Chalice”, “Great Traveler”, “Little Jesus”.

The author deliberately addresses the child’s manifestation of openness, sincerity, purity, kindness, capturing the best manifestations of the human spirit: “Prayer”, “Joy”, “Bringer of Light”, “Birds – Fiery Thoughts.”

The uniqueness of the sculptor’s work is the ability to penetrate into the realm of the spirit and bring the inexplicably higher into the form. Such creativity is a supernova phenomenon in modern art, like a star, which in its expansion emits light and transfers a charge of colossal energy to the whole world.

Красота помыслов и поступков, нравственная чистота, духовное горение — эти слова обладают особым смыслом для молодого украинского скульптора, выпускника Киевской Национальной академии изобразительного искусства и архитектуры, ученика известного мастера В.В. Бородая Алексея Леонова. Он неутомимый странник в жизни и творчестве, осознавший правильность и необходимость выбранной дороги — служения высокому и вечному.

На счету Алексея более 40 персональных выставок в городах России и Украины, в том числе в стенах музея имени Н.К. Рериха — «Водительство Духа» в 2007 году, «Зов сердца» в 2008 году и «У порога Нового мира» в 2009-м. Знакомство с музеем и его генеральным директором Людмилой Васильевной Шапошниковой оказало большое влияние на творческую судьбу скульптора. В 2006 году именно Леонову было предложено оформить вестибюль и залы музея — Живой Этики, Святослава Рериха, Петербургский и другие. Созданные Алексеем скульптурные портреты семьи Рерихов, пластические образы-вариации картин Николая Константиновича, изображения представителей мировой культуры, философии, науки и религии оказались удивительно созвучными духу и концепции музея.

Скульптурой Алексей занимается с раннего детства. Когда-то он с большой любовью и восторгом лепил забавных зверят из пластилина, теперь с осознанной любовью, ответственностью и вдохновением создает из шамотной глины идеальный мир совершенных людей. Следуя безусловному внутреннему велению, «творит» галерею высоких душ и Учителей — основателей мировых религий, святых, героев, оказавших особое влияние на эволюционное развитие человечества. Источником вдохновения служит многовековый опыт народов мира — шедевры мирового искусства, выдающиеся научные достижения. Так осуществляется связь между прошлым и будущим — некогда озвученная или воплощенная в зримом образе гениальная мысль или идея, «прорастая» в сердце скульптора, дает импульс для творчества, суть которого — преображение и возвышение души зрителя.

О высоком воздействии скульптурных образов Алексея говорит каждый, кому довелось встретиться с ними хотя бы однажды. Их торжественность, гармоничность, классическая сдержанность настраивает на вибрации Высшего — случайные мысли, тревожащие проблемы, мирские соблазны отступают на второй план, кажутся мелкими и незначительными. Точно так же, как кажутся несвоевременными и ненужными порывистые движения, громкие слова, бурное выражение восторга. В храме Искусства все наполнено священным трепетом, который не должно нарушать ничто инородное, суетное.

Новую, четвертую выставку в залах Музея Н.К. Рериха, которая прошла весной 2011 года, Алексей неслучайно назвал «Путями Духа». В экспозицию вошли скульптурные образы, созданные в основном за последние несколько лет. Безупречно соответствующие строгим академическим нормам, они целокупны и самодостаточны. Живая, пульсирующая мысль озаряет классически строгие лица, в скульптурные формы заключена прекрасная, многогранная, сияющая душа. Только истинный художник умеет так одушевить свои работы. Несмотря на молодость, Алексей заслужил звание Мастера своим трудолюбием, профессионализмом и стремлением к постоянному совершенствованию. Изображаемые Леоновым личности характерны и узнаваемы, скульптор интуитивно проникает в самую глубину образа. Задумчивые, сосредоточенные, погруженные в себя, с прижатой к сердцу ладонью, или, напротив, пламенные, с горящим, устремленным к небу взором и простертыми навстречу солнцу, свету, миру руками, — они пробуждают отклик в душе зрителя, заставляя искренне восхититься теми, кто во все времена направлял, учил, вдохновлял, благословлял.

Загадочный, многоликий, окутанный таинственными мифами и легендами Восток и рационально обусловленный, кристально ясный, стремящийся посредством науки объяснить законы мироздания Запад слились воедино в творчестве Леонова — границы исчезли, ибо неважно, в каком месте земного шара пришел в мир мудрый правитель, мыслитель, ученый, философ, пророк, важно другое — что он оставил после себя, какой вклад внес в историю духовных достижений и побед человечества.

Вспомним слова Спасителя: «Истинно говорю вам: если не обратитесь и не будете как дети, не войдете в Царствие Небесное».

«Детскость» в лучшем смысле этого слова, доверчивость и безоговорочное приятие мира — органичные составляющие личности скульптора. У него застенчивая улыбка, темные, лучащиеся добром глаза, с интересом и любопытством глядящие на собеседника. Он открыт всему новому, в нем соединяются трогательная незащищенность и одновременно мудрая сила души. Может быть, поэтому Алексей Леонов так хорошо чувствует и понимает незамутненный в своей ясности мир ребенка.Его детские образы трогают своей проникновенностью, без них невозможно до конца понять творчество Мастера. Свернувшись калачиком, положив под щеку маленькую ладошку, спит на боку точно так же свернувшегося калачиком медведя крошечный мальчик; лицо его спокойно и безмятежно, словно знает сердце ребенка, что не причинит ему зверь ничего дурного, а наоборот, защитит и спасет в случае опасности («Идиллия», 2009). Равновесие мира Природы и мира Человека, невторжение в эту гармонию и красоту — не спугни, не тронь, не искалечь! — вот глубинный смысл этой пластической композиции.

Та же «Гармония», совершенное равновесие и целомудрие — в образах мальчика и девочки, сидящих на цветке лотоса со скрещенными ногами, их руки чуть расставленные в стороны, ловят, подобно чутким локаторам, лучи Беспредельности. Нежные детские личики внимательны и необыкновенно серьезны, в них — глубоко осознанная ответственность за полный раздоров, войн и трагедий мир взрослых. Ответственность за равновесие мироздания, за его совершенный порядок пронизывает все детские образы Леонова. Сила их воздействия необыкновенна. Одно дело наблюдать искреннее, но все-таки сдерживаемое опытом, наслоениями прошлого, моление взрослого, другое — видеть полное растворение в сущем и не сущем, пламенную, самозабвенную «Молитву» ребенка, до слез из глаз, до румянца на щеках, до выси, до ангелов, до Бога!

А что как не установление на Земле мудрого, совершенного общества, живущего по законам Любви, Красоты и Братства, возвещает уверенно и свободно ступающий по ее поверхности маленькими крепкими ножками мальчуган — «Пусть всегда будет Солнце». Поднятые к небу в жесте безоговорочного приятия руки словно тянутся к жарким солнечным лучам, на лице — сияющая, открытая улыбка, весь облик выражает одно — живу! люблю! принимаю!

Леонова интересуют «младшие» жители планеты не только в пору раннего детства, но и на пороге взросления, когда для тех, кто пытливо постигает мироздание, наступает время больших надежд и первых прозрений. Полон веры в божественное провидение порывистый инок «Андрей Рублев». Обратив взор к небу, прижав одну руку к груди, а другую чуть вытянув вперед, он внимает Божественному гласу, повелевающему ему стать художником. Та же готовность принять уготованную ей судьбу, стать проводником божественных сил и провидения — в устремленных в Непознанное глазах девочки-подростка Елены Рерих — «Елена. Мечты».

Ребенок более, чем взрослый, открыт новому и неизведанному, он с благоговением и доверием внимает звукам Беспредельности, больше видит, слышит, понимает. До него быстрее и легче доходят призывы и заветы Учителей человечества — душа, не обремененная предвзятыми мнениями и представлениями, как губка, впитывает доброе, светлое, вечное. Олицетворение души ребенка, с готовностью вбирающей и принимающей Знание — маленькая девочка в длинной рубашонке, ей рассказывает об устройстве мира присевший рядом на корточки Ориген, один из восточных Отцов Церкви, христианский теолог, философ, автор знаменитого трактата «О началах» — «Ориген с девочкой». Одной рукой он заботливо и ободряюще чуть обнимает плечо малышки, а другой чертит на земле символ вечности — круг.

По выставкам прошлых лет посетители музея уже знакомы со скульптурными изображениями древнекитайских философов — легендарного основателя даосизма Лао-цзы и первого профессионального педагога Поднебесной Конфуция, создателя учения не менее известного и популярного, чем даосизм. Внимание зрителей привлекают граф Сен-Жермен, спасительница Франции святая Жанна д’Арк, великий Леонардо да Винчи. Здесь и члены знаменитой семьи Рерихов, явившие своей жизнью пример самоотверженности и высоты духа — художник, писатель, философ, ученый, общественный деятель Николай Константинович Рерих и его верная спутница, соратница, супруга, философ, записавшая переданное Махатмами Востока учение Живой Этики Елена Ивановна Рерих. Здесь же и своеобразный сфинкс нового времени, основательница Теософского общества, автор «Тайной доктрины» Елена Петровна Блаватская.

Облаченный в длинные одежды величественный Соломон — воплощение красоты и мудрости, символ богоизбранности власти. У него благородное крупной лепки лицо, умные проницательные глаза под орлиным разлетом бровей, высокий лоб, окладистая борода. Одной рукой он сжимает могучий посох, другую прижимает к сердцу, внимая гласу Вседержителя.

Философ-богослов Григорий Сковорода тоже держит в руке посох, –посох странника, в другой руке он бережно сжимает книгу. Григорий несет в крестьянские избы свет истины и просвещения.

Протягивает людям огонь учения пророк Зороастр.

Воплощенный порыв, страстное, пытливое вдохновение — Константин Эдуардович Циолковский. Лицо ученого обращено к небу, он пытливо вслушивается в зов Беспредельности.

Пожалуй, самые эмоциональные и лиричные на выставке — образы ветхозаветных отцов, святых, апостолов, Богоматери и самого Спасителя — плод сокровенных раздумий Алексея о том, что такое подлинная Любовь и Сострадание. «Спаситель» Леонова задумчив, погружен в себя, необычайно серьезен, он уже знает о близкой мученической смерти и готов нести свой крест до конца. Одна из последних работ Алексея — образ «Великого Путника», мудрого Учителя человечества, дарующего людям свет и благодать Учения.

Источником вдохновения для «Мадонны с младенцем» стала картина Леонардо да Винчи. Произведение гениального итальянского художника обрело пластическое выражение. Прекрасная молодая женщина бережно и осторожно держит в руках прильнувшего к груди пухленького младенца. С невыразимой грустью смотрит она на сына, словно провидя его трагическую судьбу.

Пронзителен щемящий образ «Богородицы Умиление». Образец кротости и смирения — скульптурные изображения святых и апостолов: «Пантелеймона-целителя»; «Святого Сергия Радонежского Объединителя», «Иоанна Богослова».

На выставке есть несколько работ, созданных на основе сюжетов картин Николая Константиновича Рериха: вот держит в руках развернутое полотнище «Знамени Мира» с символом триединства Охранительница Мира и Культуры «Мадонна Орифламма»; указует верный путь навстречу духовным победам и достижениям «Ведущая». Чтобы достичь вершин духа, нужно, подобно молодому человеку, приклонившему колена перед «Ведущей», стать на путь служения, бесстрашно последовать за направляющей рукой, чтобы во имя Победы Добра и Истины сразиться с Темными силами подобно святому Георгию («Свет побеждает тьму»).

Ведь только тогда достижима однажды явившаяся Леонову в образе хрупкой длинноволосой женщины, прижимающей к груди букет цветов, сияющая лучезарная «Радость». Взбежав на самую высокую ступеньку пьедестала, она достигла вершины Света и Красоты. Неисповедимы пути духа, ведущие в Беспредельность, бесконечны странствия жаждущего обрести Радость сердца. Скульптор Алексей Леонов верит и знает — Радость возможна. Тому доказательство — его дарующее Свет и Надежду, исцеляющее и возвышающее душу Творчество.

Portrait sculpture is a complex genre that allows you to create images of people, both real and fictional, not in full growth. Examples are busts, reliefs and other similar sculptures. A portrait in sculpture does not always clearly convey facial features. Often, this is an idealized image. In past centuries, it was not customary to sculpt great personalities “as is”, sculptors necessarily ennobled their faces. This genre, despite the development of photography and digital printing, remains popular and is on a par with painting.

Excursion into history

The portrait, as a genre of sculpture, appeared in archaic times. In the fifth century B.C. e. developed a typical portrait and one in which the artist wanted to convey a unique image. At the same time, adherents of both directions put the form, and not the psychology or soul of a person, at the forefront.

At the end of the fifth century B.C. e. Demetrius from Alopeka was the first to become interested in the physiognomic features of the people he portrayed. However, he did not try to penetrate deep into the soul. In the fourth century BC e., when a trend towards individualism began to be traced, interest in the unique personality of a person arose, such a branch as a portrait in sculpture began independent development. There were masters who devoted themselves to this area as much as possible. They performed sculptures of both living and deceased famous people of that time.

In the 30s. 4th century BC e. statues of famous tragedians appeared in the Athenian theater of Dionysus. The masters did not have the opportunity to work from nature, but sought to create an image that would correspond to the public’s idea of ​​a particular person. When the portrait arose as a genre in sculpture, several of its directions developed over time. For example, in the era of Lysippus, a direction prevailed that sought to convey the psyche of the depicted and his individual characteristics, based on generally accepted principles of the shape of the head.

Such properties can be seen in the portrait of Alexander, which was found in Pergamon. He is presented here not as a mythological hero, but as close to reality as possible. So, Lysippus created the image of a man – a hero of his era, who fights, suffers and has contradictions inside.

How a masterpiece is created today

Modern portrait sculpture is a wonderful opportunity to forever imprint in the statue not only the appearance, but also character traits. Creating such an image is not only technically difficult, the main difficulty lies in displaying the arc. Today, it is not necessary to be physically present in the workshop and pose, because a portrait sculpture is made with a photo, you can even buy it online. The master, having received an image on paper, begins to turn a piece of clay into a sculpture, revealing the spiritual world of the person being portrayed. You can create a real masterpiece only with a combination of modeling skills and the talent of a psychologist.

Portrait sculpture to order is carried out in several stages:
1. Preparatory work. The sculptor on the frame is gaining the desired mass of the head, taking into account the size and proportions. The wizard begins with a general outline. To accurately convey the structure of the face, it is repelled from several points: the crown, brow ridges, the tip of the nose and the bottom of the chin.
2. Proportions of the face. The master starts with the location of the eyes, accurately determining the size, height, distance between them. When working, he adheres to a longitudinal line in the center so that symmetry is observed. At the same stage, the height of the forehead, the location of the mouth, nose, lips, and chin are determined.
3. Correction of details. Having dealt with the outlines and proportions, the sculptor proceeds to study facial expressions. Portrait sculpture is primarily about the soul, so the master conveys the mood, character traits and individual inner world of the model in his creation.

The almost finished sculpture at the final stage lends itself to molding and casting. Molding conditionally divides the sculpture into two parts. The surface of the clay is covered with a layer of gypsum, after which the mold opens. Now it remains to make castings from the selected material. Thus, a portrait sculpture to order is not made in one day, but the result of waiting will be a statue that maximally conveys the external appearance and inner world of a person.

Sculpture is a real decoration of the interior. Creating a unique atmosphere through accents on the beautiful and even “reviving” the space – all this is capable of sculpture. What is an easel sculpture? The name itself indicates that the sculpture was created using a sculpture machine. The purpose of such plastic is interior decoration.

Easel sculpture is mostly small in size, close to life size, or much smaller, taking into account close inspection and perception. Immediate proximity to perception is characterized by its features. Easel sculpture, as a rule, is deep, psychological, reveals the image through narrative or symbolic language. Often an easel sculpture is created using allegory.

The objects of the image are different – from the animal and plant world to abstract cosmic concepts.

The high level of easel sculpture is distinguished by the artistic processing of details, skillful processing of material, such as fireclay, bronze, as well as the ability to reveal the depth of content and apply techniques of emotional influence.

Easel sculpture has different types of composition: bust, portrait, statuette, figure, group.

Sculptors “Author’s sculpture” offer the manufacture of various types of works of this kind and non-standard solutions in the depiction of classical themes. One of the most masterful examples presented in the workshop is a portrait. Feature of busts, portraits of the sculptor Alexey Leonov – transfer of character and an internal condition of the portrayed, masterful processing of characteristic features of the person. The master pays special attention to the eyes – a unique technique of deepening fireclay gives depth, awareness of the portrait.

Easel sculpture examples of portraits:

 

Swami Vivekananda. 2014, fireclay

Omar Khayyam. 2011, fireclay

Pushkin Alexander..2014, fireclay

Hypatia. 2015, fireclay

 

Easel sculpture – is mainly a sculpture of small forms – the most common type – a statuette. Author’s Sculpture Workshop offers a wide selection of sculptures for interior decoration. The genre diversity of sculpture is very diverse: ancient sculpture, children’s and women’s images, animalistics, Greek sculpture and many others.

Easel sculpture examples of statuettes:

 

Aquarius. 2019, fireclay

Little Buddha. 2011, bronze

The gift of life. 2011, fireclay

A figure is a separate three-dimensional sculpture depicting human, mythical figures or animals.

Easel sculpture examples of figures:

Guardian Angel. Lamp. 2012 fireclay

Foamed. 2006, fireclay

Omar Khayyam. 2005, fireclay

Easel sculpture often depicts the animal world, usually through the disclosure of the unique properties inherent in each species. .

Easel sculpture examples of animalistics:

Watchman. 2003 fireclay

White  bear. 2010 fireclay

Eagle in aspiration. 2005, fireclay

Idyll. 2011, bronze

 

Easel sculpture examples of groups:

Roxolana and Suleiman. 2005, fireclay

Devaki and Krishna. 2008, fireclay

Archangel Michael. Voivode. 2006, fireclay.

 

Art has always played an important role in decorating our homes and gardens. Sculpture is one of the most impressive and effective mediums that can help give your space a unique character and style. And if you are looking for exceptional, customized solutions to decorate your home or garden, custom sculpture from Art Sculptor is just what you need.

A custom-made sculpture for home and garden is not just decoration. This is the embodiment of your personality and taste. Every detail, every line, every contour is created with love and craftsmanship to give your space its special character. Our sculptors are true masters of their craft, with rich experience and creative intuition. They are ready to bring any of your ideas to life and offer you unique concepts that will highlight the style of your home or garden.

 

A sculpture for your home can become a central element of your interior. It could be:

1. an abstract piece of art that symbolizes your hobbies and passions;
2. a portrait or bust perpetuating the memory of a loved one;
3. something completely unique that makes your home stand out from others.

Each of these sculptures can create a special atmosphere, filling the space with elegance and sophistication.

Garden sculpture has its own special charm. It gives your garden soul and character. There are also many options that can be implemented here. Many buyers are interested in gardening figures. For example, you can recreate an angel standing among flowers, symbolizing hope and calm. Or it could be an abstract piece that plays with light and shadow, creating surprising interweavings of colors and shapes. In all these cases, the sculpture will add magic and mystery to the surrounding world, inviting you and your guests on a fascinating journey through your garden.

Custom sculpture for home and garden – quality and unique design

A custom sculpture from Art Sculptor is an opportunity to make your dreams and fantasies come true. We work with different materials, including fireclay, bronze, plasticine, metal, and marble chips. We create works of art that will delight you and your family for years to come. Our sculptors are ready to advise you and help you choose the ideal solution that will highlight the beauty of your home and garden. To order a bronze sculpture in Ukraine in our workshop, you just need to use the feedback form or call the contact phone number.

Sculpture for home and garden from Art Sculptor is an investment in the uniqueness and originality of your space. Let’s create a piece of art together that reflects your personality and style. Let the sculpture enliven your home and garden, filling them with beauty and harmony.

 

Sculpture is an art that can convey emotions, ideas and values through form and material. Monumental sculpture is one of the most significant forms of art used to express ideology and symbolize significant events, personalities or ideas. But what is monumental sculpture, and how does it serve as a means of expressing ideology?

Monumental sculpture is created on a large scale and is often placed in open spaces or public spaces. These monuments can be made of various materials – metal, bronze, etc. They usually have a majestic appearance to attract the attention and admiration of the audience. Such custom sculpture is available in our Art Sculptor workshop.

Monumental sculpture: features and examples

Monumental sculpture, what it is, can be understood by considering examples from the history of art. One of the most famous options for monumental sculpture is the Statue of Liberty in New York. This huge statue was given to the USA by France as a sign of friendship and freedom. It symbolizes the ideals of democracy and has become one of the most famous symbols of the United States.

Monumental sculpture carries not only aesthetic value, but also political, cultural and ideological value:

1. Serves as a means of expressing ideology, as its form and content can embody certain ideas and values of society.
2. It is used to immortalize important historical events, the memory of great personalities.
3. Emphasizes national identity.

However, monumental sculpture can also be the subject of controversy and controversy. It can be interpreted differently in different ideological and political contexts. Monumental sculpture has a strong impact on viewers. Its majesty and importance can evoke deep emotions and thoughts. She is able to raise important issues and cause discussion in society.

In conclusion, it is worth noting that monumental sculpture is an art that is used to express ideology and symbolize important events and ideas. It has a majestic and significant appearance that attracts attention and evokes deep emotions. However, its interpretation can depend on context and ideology, which makes it a powerful tool for expressing different values and ideas in society. In our workshop, you can order a bronze sculpture in Ukraine, in particular, a monumental one. We will help realize any of your ideas, and we will also be able to advise if there are any questions. To do this, it is enough to fill out the feedback form or call us at the contact phone number.

One of the most soulful images in the Alexey Leonov work is Buddha – founder of Buddhism. Author’s Buddha statue is distinguished by the image depth, the lines harmony and the internal expression, the state of peace and tranquility. The great teacher taught that life is possible without suffering, if you abandon your attachments. Buddha is not a name, but a definition of the person, who has reached the highest point of development.

Sculpture, Buddha statue is a sacred image, an example of spiritual formation. Rules, canons of Buddha image were formed by the IV century BC. in India, in the Gupta era, and accepted everywhere Buddhism became widespread. The Buddha image is based on the idea of the ideal proportions of the human body Siddhartha Gautama (Buddha birth name).

Fireclay sculptures “Buddha. Bowl of Feat ” (2006), “Buddha. The giving bowl ”(2005) Alexey Leonov depicts a standing Buddha. In both versions, the Buddha statue holds in his hands a patra – a monastic alms bowl. A patra of Buddha Shakyamuni has three main meanings: medicinal nectar, healing the body and mind; immortality and pure consciousness, taking control of the mind. Standing, walking Buddha symbolizes the road that each person will go. It is possible Buddha statue buy through feedback on the Alexey Leonov site or through a call to these contacts.

A series of sculptures “Buddha with a fiery cup” (2013, bronze); “Buddhist altar. Krishna is in a Buddha state ”(2003, fireclay); “Buddha. Prayer ”(2003, fireclay); “Buddha with the Flames bowl” (2003, fireclay) represent a canonical image. The lotus and the body of the Buddha are two sacred forms. Both symbols are borrowed from the art of India and express the eternal and infinite spiritual peace, the Spirit, which realized Himself. Lotus, like the Soul, arises from a dark state and dissolves in the Bodhi light.

Author refers to the image of the child as a symbol of purity and the new path beginning in the works “Little Buddha” (2011, bronze); “Little Buddha” (2013, bronze); “Buddha with a baby” (2010, fireclay). Buddha statue is depicted in the samadhi image – the victory of reason over feelings, a symbol of poise, absolute calm.

Buddha statue by Alexey Leonov “Gautama Buddha” (2014, fireclay) is the author’s decision of the sitting Buddha image. Buddha sculpture is depicted at the moment of attaining enlightenment with the classic position of the hands – bhumisparsa-mudra – a gesture of touching the Earth. Buddha calls the Earth to witness the accomplishment of enlightenment.

Buddha statue buy or order a sculpture is possible through feedback on the Alexey Leonov website or through a call to these contacts.

The statue of David was created at the beginning of the 16th century during three years, but the significance of the titanic sculpture, its innovation and skill went down in the history of the visual arts as unsurpassed. The sculpture David was created in the period from 1501 to 1504 and has survived to this day, is kept in Florence.

The titanic sculpture, five meters high and weighing more than six tons, was sculpted from Carrara marble by the famous sculptor Michelangelo Buonarroti. Years of his life from 1475 to 1564. The work became not only a decoration of the city, but a symbol of the High Renaissance.

David of the New Time

David, Michelangelo’s sculpture, is the standard of male beauty in world art. Sculptors have repeatedly turned to the heroism of the biblical king over the centuries. Let us recall the mannered sculpture performed by Donatello, the first nude, free-standing sculpture, as well as the effeminate David by  Verrocchio. Both of these statues are inert, static, as if the head of Goliath itself fell at the feet of the victors.

The plasticity of the High Renaissance makes a noticeable leap in the depiction of familiar heroes. The sculpture David is a strong naked young man, captured in preparation for a fight with the enemy. His whole figure is extremely tense: a proudly raised head, knitted eyebrows and pursed lips testify to determination and strong will. At the same time, the young man stands relaxed, which emphasizes confidence in his strength. The weapon of struggle – a sling, easily thrown over the shoulder, also lies at ease, as if it testifies to an imminent victory.

David is a sculpture of the New Time and is distinguished by artistic innovation:

• for the first time a human statue reaches the gigantic size of a statue;
• the image of the hero at the time of preparation for the battle, and not after the battle;
• volitional tension is captured through the tension of the muscles of the body, for example, David’s hand squeezes a sling;
• clear and simple composition: expressiveness, clarity without contradictory elements in the solution of the movement;
• special attention is paid to the transfer of the internal state in tense facial expressions: anger is imprinted on the face, the gaze is fixed on the enemy.

 

The main message of Michelangelo’s sculpture David is the personification of the boundless strength and capabilities of a free man. For the first time in the art of the High Renaissance, the image of the winner of Goliath outgrows a narrow plot and acquires a universal significance – a person with a titanic character is depicted. The pathos of heroic action is depicted as a triumph of human power – the ability to overcome any obstacles.

The history of the creation of the ideal of beauty

Florence is a special city that did not obey the papal authority, Florence recognized the superiority of human talent. During the period of work on the sculpture, the life of the republic changed dramatically, as did the fate of Michelangelo. The sculpture David was originally commissioned by the church. The tyranny of the Medici was defeated, and the sculpture David by Michelangelo became a symbol of a free republic, became the embodiment of the defender of the fatherland.

Michelangelo was only 26 years old when the master began sculpting a sculpture from solid granite. For more than two years, the sculptor worked tirelessly, all to ensure that Florence erected the statue. It took only about four months to finish and polish the marble. Despite the fact that by these years he managed to become a great sculptor, Buonarroti did the most difficult work.

Giorgio Vasari, a well-known critic and contemporary of the master, reports a curious fact about the creation of a sculpture by Michelangelo David. It turns out that the master had to take up the processing of already damaged marble stone. The future sculpture had to be skillfully fitted into the shape so as to avoid the mistakes of its predecessor.

Michelangelo’s David was created directly by the sculptor without helpers. A giant block, a hammer and scaffolding – that’s all that the sculptor needed to create a masterpiece. No one knew who the master was creating, the place of sculpture was fenced off with a high fence. In the winter of 1504, Michelangelo’s sculpture David was presented for evaluation to the main Florentine masters. The commission was headed by Leonardo da Vinci himself. And what? Only delight and approval! Respected masters gave the highest mark – the decision to install the sculpture on the central square of the city. In 1504 all of Florence came together to unveil the monument and the event turned into a real national celebration. And the architect Giuliano da Sangallo called the statue a public monument. According to Vasari’s notes, the Florentines perceived David as a symbol of courage and justice in protecting and managing the city.

Michelangelo’s Antique sculpture David decorated the entrance of the City Council for three centuries. And in 1873, wanting to protect the statue from rain and wind, the Florentines placed David in the building of the Academy of Arts.

Viewer’s notes

In the last century, Soviet schoolchildren went on cult expeditions with the whole class. No one thought about the conquests of old Europe – tolerance and pluralism. About totalitarianism – all the more so. And when the school principal recommended that the class teachers take their pets to the cinema – to “Ordinary Fascism” by M. Romm or “War and Peace” by S. Bondarchuk, it was perceived as a guide to action.

I add that the works of sculptor Alexei Leonov are presented in the Izhad exhibition hall. It would be very good if the Ufa guys, detached from another American horror and the charm of Mila Jovovich, deigned to meet them. I’m sure none of them will regret it.

Leonov… A rich surname, by the way, with various talents. Leonid Maksimovich is a classic of Russian literature, Evgeny Pavlovich is a great artist, Alexei Arkhipovich is the first person to step into outer space, an artist. By a strange coincidence, “Izhad” is on Kosmonavtov Street and the sculptor from Kiev Leonov is also called Alexei, as well as the famous astronaut.

The first impression of the exhibition: the 28-year-old sculptor is a master. Here it is necessary to take into account that he started sculpting plasticine figures at the age of two, later received a thorough professional education and now works 4-16 hours a day. Most often without rough sketches, immediately whitewashed.

During his school years, Alexei proved to be a capable mathematician. He was going to become a financier, as he did not have the money or the necessary connections to enter the prestigious National Academy of Fine Arts and Architecture. True, there was talent. He came in handy. Alexei more than lived up to the expectations placed on him.

The moral criteria of art in society today are blurred or forgotten. They are very important for a young sculptor. He says that he starts working only in a good mood. To charge the sculpture with good energy. He succeeds.

Once Alexei mentioned that according to one of the legends, man was made of clay. He also sculpts his heroes out of clay: it reacts sensitively to the state of mind of the artist-creator. This “fast” material is quite consistent with his aspirations.

… Each artist, to the best of his talent, creates his own world, his own universe. Alexei Leonov’s universe is a refuge for philosophers, writers, saints, bright, gifted people.

The erudition and literacy of the Kiev sculptor command respect. They are in his works. Here Krishna and Christ, Confucius and Plato. With such comprehensiveness, it is difficult to say what worldview, what faith the demiurge Leonov himself adheres to.

Alexei recalls with humor: he was a curious child, and one day he was faced with the question of the existence of God. He asked his father, a communist, a materialist. The answer was concise: “They flew – did not see” (Leonov Sr. meant astronauts).

… Someone, most likely an art critic, wanted to describe the originality of his work with the appropriate term. This term was found in the Russian-American sociologist Pitirim Alexandrovich Sorokin.

“The young author,” writes an unknown biographer of Alexei Leonov, “chose an unpopular today and very complex direction, called Pitirim Sorokin’s ‘ideal art,’ which is based on spiritual synthesis, synthesis of cultures, and supersensible perception.” According to the cyclical nature of development, the predominance of the spiritual component in the art of the future is indisputable, which means that we can say with confidence that the artist is ahead of time. ”

Everything is simple and categorical. Like twice two four. Meanwhile, Pitirim Sorokin wrote that this is “not the art of one professional artist, but the work of an unnamed group of believers who communicate with God and with their own soul.” Alexei Leonov is remarkably prolific, but he is still not a team, and we know little about his like-minded artists.

But now this definition of Pitirim Sorokin roams the cities of Ukraine and Russia together with Leonov’s exhibitions. Journalists immediately rented it and reproduced it. But the work of artists very often breaks out of the direction allotted to them by men of science. The same thing happens with a master from Kiev. The territory of his ideas and incarnations is more interesting and richer than the ideational canon suggests. Does it fit into a masterfully sculpted monkey (this work is called with the subtext and irony of “The Thinker”) or Saint-Germain – a bright person with the makings of an adventurer? (He is mentioned in Tchaikovsky’s opera The Queen of Spades in his famous aria Tomsky.)

After crossing the threshold of the exhibition hall and having a brief acquaintance with its exhibits, you first decide: Alexei Leonov is a conservative. Nowadays in art, including fine arts, the ball is ruled by outrage, shock, art groups, conceptualists… In Berdyansk, Ukraine, a monument to a toad (symbol of greed) has been erected, in Odessa – a chair (based on the novel by Ilf and Petrov), in Moscow – processed cheese “Friendship”. The West, of course, surpassed us here as well.

To engage the viewer at any cost – this is the task set by many artists. One sculptor rips off a person’s flesh and shows us a skeleton in different situations. Another sculpts edible heads from the dough. The third reproduces the city dump. Here it is – modern, relevant art. Alexei Leonov with his saints, philosophers, heroes of myths – of course, a conservative.

Or maybe he is an avant-garde? When an artist appears in the vast space occupied by assertive kitsch producers, various installations and performances, who recreates the images of the titans of the spirit, paving bridges from the depths of the distant past in the 21st century, tomorrow, he is a pure avant-garde.

… In 1920, speaking at the Third Komsomol Congress, Vladimir Ilyich Lenin called on young people to enrich “their memory with the knowledge of all the riches that humanity has produced.” Good, always relevant advice. Alas, few were able to use them.

Our relationship with the history, culture and heritage of the past is complex, to put it simply, none at all. The guide at this exhibition is not a superfluous person.

However, to emerge from the vanity of everyday life and plunge, at least for an hour, into the world of harmony and beauty, not knowing who Leda is or who stole Europe, is also great. Even an inexperienced viewer will easily understand that Leonov’s works are high art, they do not offend the eye. Their impact on the viewer is beneficial.

The sculptor has a lot of borrowings, compositions based on famous paintings. Having lost their birthright, they are obviously not perceived as sharply and freshly as the originals. But the sculptor Leonov goes for it consciously: it is important for him to speak on a given topic.

We considered the cycle of works depicting Sergius of Radonezh (in the world of Bartholomew) with special passion, because one of the most famous paintings associated with his name belongs to our compatriot M. Nesterov. This is “The Vision of the Boy Bartholomew.”

Alexei Leonov’s Sergius of Radonezh is different: out of this world, peaceful, focused, wise. More than others crashes into the memory of “St. Sergei Radonezhsky, host of Andrei Rublev. ” This sculpture is symbolic and meaningful, it must be seen.

Leonov’s Greeks and Italians, in my opinion, are cold, except, perhaps, the shrill Leonardo da Vinci and Michelangelo, the artist-thinker-poet, caught in a moment of intense contemplation.

Oriental sages are colorful, attractive exotics.

It is thought that sculptures born of the artist’s knowledge and skill lose out to such as the epic “Boyan” and the expressive “Young Taras Shevchenko”. Here one feels authenticity, native soil: music, live speech, culture of life – all close, familiar, assimilated as a child with mother’s milk.

The allegories are wonderful. In them, it seems, the author shows himself with the greatest relief. In the fired clay (fireclay) its sensual impulse remains, not having time to cool down, traces of enlightenment are noticeable.

“Idyll” is amazingly good – a touching union of wildlife (mother bear) with a human cub. In this deep and large-scale (rather than in size) sculpture, Alexei Leonov expressed himself most fully and frankly.

Thanks to the Bashkir branch of the international public organization “League for the Protection of Culture” and the exhibition hall “Izhad” for introducing us to the work of this master. The exhibition of his works will remain in Ufa until the end of October.

 

Юрий КОВАЛЬ

Еженедельник «Истоки»

29.09.2010

The American writer Henry Thoreau spoke about the art of sculpture:

“The important thing is not what you do with the stone, but what the stone does to you.”

In perception, sculpture is difficult to attribute to the visual arts. Although it is no less exciting, requiring a special gift and talent of the master, a kind of craft.

Sculpture – types and genres, materials and techniques of execution – impresses with its scale. If the artist makes skillful brush strokes on the canvas, then the sculptor, in turn, performs carving with a special tool on a solid and shapeless stone surface. The talent of a master who was able to see the figure, become, the character of the statue, breathe life into it, reward with emotions and feelings, make the stone come to life, and give the viewer the tactile level to feel the warmth of touch, to pull out an exciting sense of delight is truly impressive.

The sculpture, its types and genres open up wide possibilities for the creative flight before the master. This ensures that each representative of this exquisite art form will find and fill his niche with unique works.

The sculptural variety impresses not only with its scale – from miniature figures, figurines and talismans, to statues, monuments and monuments – but also with the material used to make them. Carving on bones, precious minerals and stones, cast forms and marble – all this comes to life in the hands of a real creator – a master of his craft.

The well-known varieties of the genre of sculptures include worthy examples of portrait, historical, mythological, domestic and many other popular genres.

When creating a sculpture, the most important technique for the master is artistic expression. Among them, the structural basis is the construction of volumes, forms, plasticity in building the model, silhouette, as well as texture and, possibly, color.

Due to this, we can admire a whole galaxy of different types of sculptural masterpieces, such as a round sculpture surrounded by space and allowing you to view it from all sides, and a relief design in which the figures are partially immersed in a flat background and seem to protrude from it.

As for the material and the method of producing the sculpture, it is worth noting here several main techniques and groups of raw materials. Work with plastic materials such as clay and wax is molded. Metal products made by casting, embossing or embossing are related to foundry, carving on precious stones is a glyptic, etc.

Widely used materials since antiquity, which have become classics in the performance of almost all types of sculptural crafts, are bronze, wood, precious metals and artificial stones.

But, in fact, it does not matter what material the sculpture is made of. The main thing, according to Cicero, in each piece of marble to consider a head worthy of a cutter. For what was sculpted was already inside

In the treasury of the peoples of the world great interest is attracted by great sculptures. Masters of Ancient Greece, Mesopotamia, India, China have created famous sculptures that inspire creators of all time. Despite the difference in materials, styles and eras, renowned sculptures are distinguished by the harmony of proportions, the beauty of the composition, lively expression and a special author’s vision of beauty. We offer to make a joint tour of the pages of art history and identify the most famous sculptures of the world by country.

 

China’s famous sculptures

The most famous sculptures of China are the terracotta army of Qin Shi Huang, the first emperor. More than 7,000 sculptures were buried in the tomb of the emperor to ensure his safety in the other world. Famous statues of hundreds of soldiers are made of burnt clay and amaze with their realism and spirituality, mostly sculptors captured real warriors and the servants of the emperor. The figures of the soldiers were skillfully painted, dressed in silk clothes, each soldier is equipped with weapons, according to his rank.

Superiority of the Chinese sculptor in scale and celebrity is held by the stone Buddha Maitreya in Leshan. A Illustrious statue carved in a picturesque place directly from the thickness of the Lingyushan rock. The height of the statue reaches more than 70 meters. Since 713, several generations of sculptors and masons, engineers have worked to create a sacred image for as long as 90 years. Buddha’s head reaches the top of the mountain, legs stand on the bank of the river. Moreover, about 100 stone images of Buddhist saints are carved from the rock on the left and right of the giant Buddha image. The sculpture is surrounded by many rocky temples in the grottoes. Famous sculptures of the complex were built from 493 to the end of the 10th century. Initially, the Buddha sculpture was part of a wooden temple, artificially built around a rock, literally soaring, but in the XVII century the temple was lost due to a fire. The sculpture itself continues to inspire millions of visitors.

 

Illustrious statues of India

In 2018, India’s great sculptures were replenished with the tallest statue in the world, the “Statue of Unity” in Gujarat, on the Narmada River. A huge monument commemorates the Indian leader Sardar Patel. As Deputy Prime Minister of India, Patel worked to maintain the integrity of India. Grateful Indians spared no effort to create a sculpture from bronze, which reaches 182 meters without a pedestal, and 240 meters with a pedestal.

An elevator is mounted inside the statue, and at an altitude of 150 meters there is a beautiful observation platform.

The historical renowned sculptures of India are largely created in the cave temples of Ellora in the state of Maharashtra. This complex of 34 temples was built before the 10th century AD and is dedicated to various Indian beliefs. Famous Buddha statues with stories about the life of the great teacher are adjacent to the images of Hindu and Jain shrines.

 

Famous sculptures of Greece

The most famous sculptures of Greece have glorified the country’s art for all centuries. This Delphic driver, Zeus Olympic, Venus Milos, Athena Parthenos, Laocon, Diskobol and many others. Unlike other countries, Greece reverently preserved the names of sculptors of brilliant creations. Phidias, Polyclet, Miron, Praxiteles, Skopas created many great sculptures. These great masters already knew well the human anatomy, were able to fill the sculpture with internal dynamics.

For example, the sculptor Miron lived and worked in bronze in the 5th century. BC. The sculptor was one of the first in modern European culture to set the task to convey the key moments of movement in the form. His eternal creation, Discobolus, although preserved from a Roman marble copy, characteristically demonstrates the transition from solemn stillness to the desire to capture movement through composition and a thorough transmission of the anatomy of the human body.

A contemporary of Miron, the sculptor Polyclet, created his famous sculptures in the images of courageous warriors. His “Diadumen” went down in history with a memorable gesture – he covers his head with a bandage – a symbol of victory.

The most celebrated sculptures of the Parthenon of Greece was created by Phidias in the 5th century BC. This colossal 12 meter Athena statue is made of wood, ivory and gold.

 

Famous statues of Mesopotamia

One of the oldest sculptures in the world dates back to III millennium BC. e. and was discovered in Sumer, the territory of modern Iran. Celebrated sculptures of a cult character gave the people of Mesopotamia to humanity. Such is the sculpture of the professional singer Ur-Nin. These sculptures are known for their small size (25–40 cm), made of alabaster, as well as of limestone. Usually they were kept in cult niches in the courtyard of the temple. Externally, the sculptures are unsightly, but the meaning of the sacred.

The greatest sculptures of Sumer are triumphant. The Stela Korshunov, for example, is dedicated to the victory of the ruler of Lagash Eannatum over the city of Ummah. Despite the fragmentation of the preserved parts of the stele, the proportionality and high artistic taste of the depicted Sumerian warriors, their dynamic movement under the cover of shields, with spears at the ready strikes. This example of high art inspires all lovers of beauty today.

Baroque is a visual art style that shows movement in everything. In architecture: contrasts in proportions, protruding and deepening parts of buildings, asymmetric distances between windows or columns.

Baroque in sculpture is visual showiness, grandeur and splendor. In architecture, this style manifested itself with splendor – palaces and churches are distinguished by luxury with a large number of decorative elements: modeling and carving. Freedom in all elements: volumetric paintings and large mirrors illusorily enlarged the interior space, painted ceilings opened up the sky, as if breaking the laws of classical architecture. Fancy lines like waves, flowering fields, vineyards decorated the facades. Another feature of the Baroque is the attraction to oval, round windows and even doors. Baroque sculpture is attention to the inner world depicted through external dynamics.

The era of grace. Characteristic of the baroque.

After the significant achievements of the Renaissance, in the 16th century was time to move away from naturalness towards pomp and pretentiousness. The Baroque was formed in Rome under the impetus of the revival of the Catholic Church after the Counter-Reformation.

Then a special new thinking – a rejection of naturalness required a new expression in the visual arts.

Baroque style – emotional, magnificent and solemn, large-scale expresses:

• variety of life forms,
• constant variability and complexity of the world,
• compromise and opposition of reason and feeling.

The style spread throughout Europe from Italy and in each country acquired its own specific features. Extravagance in Spain and South America, royal splendor tending to classicism, in France, where it became the style of the monarchy of Louis XIV, elegance and luxury in Germany.

The person takes the leading role and comes out on top in art. The Baroque masters widely portrayed the heroes of myths and allegories. At the same time, dramatic plots were depicted, where everything played a role: facial expressions, gestures and even drapery.

The Baroque style spread widely and embraced all types of arts. For example, in music, the range and size, as well as the complexity of playing the instruments, have been significantly expanded. Representatives of the baroque are world composers Vivaldi, Bach and Handel.

Baroque sculpture – movement in stone.

Baroque sculpture is a special, bright self-sufficient milestone in art history. In the XVI-XVIII centuries, sculpture was actively made to decorate theaters, churches, mansions, and during the Baroque period, sculpture came to the fore as a self-sufficient art.

Baroque sculpture is distinguished by the improvement of techniques:

• Achievement of accurate transmission of life textures.
• Voluminous pleats with emphasis on fabric texture.
• Attention to detail, transfer of natural facial expressions and young or aging skin depicted.
• Theatrical performances of compositions.
• Gravitation towards compositions “twisted” in a circle or spiral.
• Image of the climax of a dramatic moment.

The brightest Baroque representatives: Juana Montanes, Bernini, Duquenois, Schluter, Giambologna, Francesco Moti, Puget, and others.

The Baroque style is associated with the work of the outstanding Giovanni Lorenzo Bernini, years of his life 1598-1680. At the time, he was an outstanding architect of the Vatican, and his designs largely shaped the face of Rome. Bernini created masterpieces of Italy:

• Roman Church of Sant Andrea.
• The staircase of the Vatican Palace is remembered for its visual effects: deeper.
• The square near the Cathedral of St. Peter in the form of palms.

 

Lorenzo Bernini created not only architectural projects, but also went down in history as the most famous sculptor of the 17th century. His merit in the ability to convey tense movement in the form. The statues “Apollo and Daphne”, “David” have attracted the attention of several generations with their perfect craftsmanship.

These statues entirely belong to the Baroque, the characteristics of the figures are that they are captured at the moment of the highest tension. David is depicted at the moment when he is about to throw a stone from a sling: in concentration he bit his lip, his face is definitely angry, every muscle is tense. The spiral composition adds dynamics to the whole image.

The sculpture “Apollo and Daphne” conveys the culmination – Daphne disappears, turning into a laurel.

Another work with a spiral composition “The Rape of the Sabine Women” belongs to the sculptor Giambologna.

 

Baroque architectural sculpture

In the XVI-XVIII centuries, it became customary to use sculpture as part of architecture, while the decoration had three types:

1. Emphasis on the gable or roof of the building. The statues were placed horizontally. Examples are filled with the palaces of France and the basilicas of Rome.
2. Statues-columns, statues-pillars, borrowed from Greece, were actively used in the architecture of Austria and Germany.
3. Sculpture as decorations on friezes.

In France, the Rococo era was called the Cupid and Venus periods. At this time, masters are fond of Greek mythology and depict the respective heroes.

The Rococo style, due to its decorative effect, was not very popular in plastics. The sculpture played only an auxiliary role, illusorily decorated parks and interiors of mansions. Rococo sculpture was for interior, park, and not monumental and impressive. The best representatives of style – sculptors Falcone, Pigalle, Claudine and Lemoine created a small plastic of gallant style – carefree, light, playful.

Falcone is the most famous sculptor of the Rococo era in France. He managed the famous Sevres porcelain factory. His work was dominated by reliefs and statues.  For example, his most famous Rococo sculpture “Cupid” expresses the fashionable trend at that time – to decorate  gardens with a winged hero. The whole workshop of the sculptor’s students worked on such orders.

Sculptor Lemoine performed portraits of bankers, financiers and industrialists. Portrait of gallant epoch – sensual and complementary, aimed at the transfer of portrait similarities, rather than to reveal the psychological features of the portrait. Often, the search for external Rococo expressiveness overlapped the inner meaning.

In another way, the master Claudion worked. Rococo sculpture in the hands of Claudion is an elegant, poetic light world, though without deep meaning, but with psychological depth and high skill of execution. “Poetry and Music” and “Satiressa” are the famous compositions of marble and terracotta statuettes, bronze among numerous performances of nymphs and fauns.

The Rococo era: the lightness of a colorful life in art

In the early 18th century in France, the idle rococo style replaced the massive, solemnly heavy baroque as its antipode. The name rococo comes from “rocky”, as well as from “rocaille”, that is: ornament made of stones and shells, which were used on fountains or grottos. Rococo masters prefer to depict an easy and beautiful life. The color of the painting completely changes to light tones. The dominating colors are blue, pink, pastel and blue. Baroque gilding is a thing of the past. White comes to the foreground.

The Rococo style is marked by the following characteristics :

– The gracefulness of the compositions,

– Ease is depicted as an open minded attitude to life,

– Plot intimacy,

– Decorativeness,

– Playful and flirty character.

The Rococo era: causes:

1.     Change of life of the nobility. The Rococo style is a consequence of the decline of European monarchies. The transition of art from the great style of Louis XIV, from the lush decoration of the palaces of Versailles in small salons, mansions of the Parisian elite.
2. The formation of new decorative elements. “Rocaille Style” was marked by the appearance of decorative ornaments from the scroll of plants, as well as characteristic cartouches and ormoushels (“auricle”).
3.     Decoration of grottoes. The term “rocky” is associated with the decoration of grottoes and pavilions in parks.
4.     Formation of “Greek taste”.

Rococo: painting of the holiday

Pictorial rococo is characterized by frank plots with heroes of myths, as well as pastoral themes. Watto was the first master to work in the rococo style. Boucher and Fragonard are probably the most famous artists of that time.

Creativity of Boucher-painter is diverse and multifaceted. He literally embodied the Rococo era. His favorite subjects are allegories and mythology. The heroes of his paintings lead joyful, easy life in the bosom of beautiful nature, in the middle of village fairs. The true singer of the idle life of Boucher made famous the Parisian life of the 18th century.

Rococo in architecture

Remarkable Rococo architecture of this period gravitates to the interior decor. Despite the strict exterior of the houses, the interiors were painted with all kinds of molding: floral or geometric, asymmetrical and volumetric. This is the Little Trianon in France, built by architect Gabriel.

 Rococo style in architecture was widely used in Austria and Germany. Here, along with decoration, it preserved traditional baroque elements. Architect Neumann built a church in Firtsenheiligen in the solemn baroque style, but in combination with rocky light and fairy-tale decoration of sculptures and picturesque panels.

Sculpture as a form of fine art expresses the development of human thought and the state of consciousness. Modern sculpture has come a long way: from stone women – objects of worship of prehistoric times to abstract images – symbols of modernity. By visual images, one can trace the ability of mankind to think from a concrete image to an abstract, spiritual one.

What is modern sculpture?

First of all, sculpture is a way of expressing in the form of the characteristic features of modernity. For example, sculptors of the Renaissance created the ideal of the human body in the form, depicting a person as the crown of God’s creation. Modern sculptors, on the other hand, express actual concepts and meanings in a form and rarely resort to realistic images of a person looking for deeper meanings. Gradually, human consciousness goes on to unravel the laws of being and, consciously or unconsciously, seeking the meaning of life. Modern sculptors of the 21st century translate attention to the internal content of the form. Sculpture materials have also changed; stone, clay, bronze have been replaced by plastic, glass, non-ferrous metals, synthetic materials and artificial stone.

History of development

The events of the XX century brought a lot of changes, destroying the old foundations. The technological leap, the development of industry, and revolutionary movements freed up space for the development of thought in new directions. By the end of the 19th century, the works of the greatest Auguste Rodin had modernist features that appeared in new senses and themes. In the work of Rodin, this was manifested in the contrasts of the texture, as well as in the special effects of light.

More radical changes came at the beginning of the 20th century from France. The desire to simplify the form and deepen the meaning gave birth to cubism. Modern sculptures by Pablo Picasso, Georges Braque turned the world around. Ordinary objects appeared before the viewer with a set of geometric shapes. That is how the main idea of ​​modernism was expressed – the self-sufficiency of creativity and the independence of art. Picasso’s modern sculpture has opened up new possibilities in the visual arts – not to mirror reality, but to create a new, meaningful reality.

The example of Picasso was followed by Jacques Lipschitz. Against the backdrop of cubism in the 10 years of the twentieth century, new trends in art began to actively develop. Modern sculptures were performed in the styles of Dadaism, Futurism, as well as constructivism, primitivism and functionalism.

The tendency to simplify forms led to primitivism – rapprochement with pure abstraction while maintaining the meaning. Jean Arp’s perfect abstraction is attractive with ironed shapes. The bronze modern sculptures of birds of the Romanian master Konstantin Brynkushi are known for simplified copyright polished surfaces.

The dynamics of life tried to depict the Italian futurists. Modern sculptures by Umberto Boccioni conveyed in the sculpture the speed of modern life, movement in front and rapid changes in form over time. Constructivism brought closer the sculpture with scientific models and forms of technology, cars. Soaring, light as membranes, innovative sculptures of modern sculptures by Naum Gabo (1890-1977). Constructivists worked with new industrial materials – threads, plastic, glass, steel. Sculptors of this direction rather constructed skeletal structures, rather than sculpting, cutting off the stone. Modern sculptures of the Dadaists were performed as “anti-art” from a set of random objects and even rubbish.

For the sake of expressing the emotional effect – expression – modern sculpture has undergone changes, for example, the proportions of the human body have been greatly simplified. A prominent representative of expressionism is Alberto Giacometti. His subtle men are the embodiment of emotional states of disappointment, guilt, loneliness and anxiety.

After 1945, the modernist trend spread. The language of art will change and abstract modern sculptures were made of metal structures. For example, the American David Smith created a variety of modern sculptures from metal cubes, balls, cylinders. The English sculptor Anthony Caro in the 1930s presented metal as the basis of his work, demonstrating its plastic and aesthetic properties.

Since the late 1950s the age of consumer culture was glorified by a modern sculpture of the direction of pop art. Bright representatives are Jasper Jones, who became famous for beer cans, Klas Oldenburg with huge hamburgers and ice cream cones.

Inspirational modern sculpture

Modern sculpture is often created to excite the emotional principle of a person – to amaze with scale, cause surprise and even disgust, but not leave the viewer indifferent. In pursuit of external effects, modern sculptures often lose the permissible edge of morality, ethics and aesthetics.

Art has always been called upon to serve the highest ideals and the creators of the workshop “Author’s Sculpture” call on to return to this truth. Modern sculptures by Alexey Leonov, Vladimir Shevchenko and Vasily Boroday are filled with inner light. In the work, the masters express a single desire – to fill the world with positive images, to create a sculpture in which the presence of a vital soul is felt. The sculptors devote their work to universal values, affirm love, joy, harmony, prayer, faith, hope, mercy, compassion, and create works of the same name. Modern sculptures by artists “author’s sculpture” in many ways bring the concepts of the spiritual world into shape and become a channel between the earthly and the supernatural.

Of particular note is the theme of the Great teachers of mankind. Sculptor Alexey Leonov creates portraits of the great sages, founders of spiritual teachings, scientists, writers, discoverers and mentors of humanity of all times and peoples. The modern sculpture of Alexey Leonov is a unique phenomenon of the spiritualization of sculpture. The sculptor manages to achieve the effect when the eyes of the sculpture turn into a conscious, deep, lively look of a philosopher, a sage on a contemporary. A gaze uplifted, illuminated by the highest ideas of the French national heroine Jeanne D’ark or the founder of the spiritual teachings of India, Krishna, the Persian sage poet Omar Khayyam; Euclid, Pythagoras, Hypatia, Paracelsus, Copernicus and Giordano Bruno, Michael Faraday, Descartes, deepened in thought, concentrated on their discoveries in the world of science, captured the special world of discoveries that was brought to mankind through great scientists. With special reverence, the sculptor created the sculptural faces of Jesus Christ, Buddha, Zoroaster, Germest Trismegistus, Lao Tzu, Confucius.

Modern sculpture of the 21st century, leaving external fanciful effects in the past, goes on to realize that which is hidden in form, sculpture is increasingly becoming an expression of higher meanings.

В основе творчества Алексея Леонова лежит духовный синтез культур и сверхчуственное восприятие. Согласно цикличности развития, преобладание духовной составляющей в искусстве будущего неоспоримо, а, значит, с уверенностью можно сказать, что художник опережает время.
Родился Алексей в 1982 году в городе Сумы, с двухлетнего возраста живет в Киеве. Интерес, а скорее потребность в творчестве проявились очень рано. С двух лет он начал лепить маленьких пластелиновых зверюшек. Посещение кружка лепки в Киевской художественной изостудии, а затем учёба в Государственной художественной средней школе им.Т.Г.Шевченко были естественным продолжением и важным шагом в развитии его способностей. В 1999 году Алексей поступил в Национальную академию изобразительного искусства и архитектуры (Киев), которую закончил с отличием по специальности “Изобразительное и декоративно-прикладное искусство”. Там же он продолжил обучение в аспирантуре под руководством известного мастера, академика Василия Бородая. Область интересов Алексея Леонова широка, но это не хаотичное блуждание, а целенаправленное изучение мифологии, философии, религии, науки, т.е. истории развития человеческого духа разных эпох и народов, которое нашло отражение в скульптуре.

Каждый входящий в выставочный зал зритель увидит в одном пространстве одухотворенную мощь величайших мыслителей, силой мысли которых мы живем, развиваемся, совершенствуемся: Моисей, Христос, Будда, Зороастр, Лао-Цзы, Конфуций, Сократ, Платон, Пифагор… Магия красоты и мудрости вдохновенных ликов вызывает в каждом человеке необъяснимое чувство, которое можно выразить лишь столь же высоким искусством поэтического слова:

Очам моим открылась благодать,

Когда они узрели огнь нетленный

И лик божественный и вдохновенн

Того, с Кем горд в родстве я состоять…

Это стихи выдающегося скульптора, философа, Живописца и поэта эпохи Возрождения – Микеланджело Буонарроти. Но как они помогают раскрытию творчества молодого и талантливого нашего современника, чьи совершенные скульптурные произведения не могут оставить равнодушными ни одного человека, соприкоснувшегося с его творчеством. Его имя Алексей Леонов.

● ● ●

В творчестве Алексея Леонова гармонично сочетаются все высокие понятия, такие как вера, красота, нравственность, объединенные в едином понятии – культура, и наполненные высочайшей духовностью. Продолжая классические традиции в искусстве, он понимает классику как вечное зовущее начало, а потому видит в ней и зов будущего. Вот почему мы ощущаем во всех его работах космичность и общечеловеческую отзывчивость. Эти качества говорят о щедрости души мастера, о его пламенном чутком сердце. Для меня лично все творчество Леонова пронизано возвышенной поэзией. В них слышатся волнующие мысли Блока, Тютчева, Соловьева. Удивительно созвучны его работам строки Афанасия Фета:

Ношу в груди, как оный серафим,

Огонь сильней и ярче всей вселенной.

Ибо только огненному сердцу под силу одухотворить материю, вдохнуть в свое творение и чувства способные волновать, и силу способную преображать души тех, кто соприкасается с подобным искусством.

На творчество молодого скульптора значительное влияние оказывают жизнь и культурное наследие Николая Рериха. Сам Алексей объясняет это тем, что «…картины художника являются проводником в его мир. Знакомство с ними – это удивительные моменты сопереживания, сотворчества. Произведения великих мастеров являются как бы каналами, окнами в те высокие миры красоты, для которых они и создавались. Это, в первую очередь, их поиск гармонии и красоты, но, увековеченный в произведении, он становился достоянием всех. И по сути то, что я делаю, это тоже своеобразная попытка поделиться, приобщить зрителя к тому миру, в котором живут в моменты творческого подъема мое сознание, моя душа».

Алексей как-то признался, что он своим творчествомде-лает попытку вырвать человека из нашего столь суетного и часто грубо материального мира в мир более высоких и тонких вибраций и переживаний. Скульптура по его мнению более понятна, чем живопись, так как «она требует меньших интеллектуальных усилий. Живопись – это больше иллюзия, скульптура же имеет дело с нашим трехмерным пространством, даже слепой может ощутить ее более явственно».

Творчество молодого скульптора формировалось в академической школе украинской монументальной скульптуры и потому в работах мы угадываем цель –быть понятым, отсюда стиль всех работ – он не уходит в какие-то области авангарда или абстракции, но отражает образы понятным языком. Поэтому скульптура интересна детям и молодежи. Об этом говорят записи в книге отзывов. К примеру, на выставке в Пензе одиннадцатиклассник написал: «После выставки задумался о вечном».

Что замечает зритель увидевший скульптурные работы Алексея Леонова? Призыв к совершенному, прекрасному, вечному, к тому, что можно назвать человечностью. Синтетический подход в его творчестве объединяет все лучшее накопленное в веках и то, что человеку необходимо развить в будущем. Соучастие, сопричастность к миссии героев скульптурных произведений помогает нам определить и свое божественное предназначение. Вот перед нами задумчивый мудрец и творец Микеланджело. О чем он так сосредоточенно думает? Уверен о божественном предназначении человека. Этому посвящено его творчество. С первого взгляда я «узнаю»Андрея Рублева и влюбляюсь в его одухотворенный возвышенный образ. Я чувствую как слезятся глаза Христа в скульптурной группе «Путь к Отцу»,и как крылато и вдохновенно устремлены глаза ребенка. Вечные темы материнства, героизма, веры являются важными не только для скульптора, не только для взрослых, но, что очень важно. и для молодежи, как призыв к чему-то очень важному. И Алексей объясняет. почему действует магнит притяжения: его искусство призывно. Это то, чего не хватало в период взросления ему самому. Алексей поясняет:

«Что мы видим и слышим в повседневной жизни? Я очень живо помню этапы своих духовных поисков. С одной стороны, все есть. Но если все низкое настолько агрессивно, что его не нужно искать, оно само тебя где угодно найдет и сделает своим рабом, то поиск высокого требует усилий, силы устремления. В жизни очень много негативного, которое втягивает и засасывает с очень большой силой. Как и чем можно устоять? Только будучи вооруженным волей. А волювырабатывает в первую очередь семья и все институты образования, начиная с детских садов».

Художник не хочет быть пассивным наблюдателем. Его волнуют вопросы культуры и нравственного состояния общества, воспитания в школах и других учебных заведениях. Эта боль, переживание, сострадание выражены во всем его творчестве и об этом он говорит на встречах со зрителем:

«Сейчас практически нет нравственного воспитания, больший упор сделан на образование, на то, чтобы дать знания. А к чему знания, если нет обычной этики, когда человек не понимает самых близких и насущно нужных законов общения? То, что я делаю, пытаюсь наполнить человеколюбием, любовью к ближнему. По крайней мере, я это ощущаю и этим делюсь. Как это работает дальше? Думаю, что работает неплохо».

Большому художнику природа дарует особые качества благодаря которым он становится отзывчивым не только на голос нашего мира, но и той высшей реальности, на струнах которой он способен «играть»и волновать нас. Это, именно, то искусство о котором Вячеслав Иванов писал:

Вы, чьи резец, палитра, лира,

Согласных муз одна семья,

Вы нас уводите от мира

В соседство инобытия.

Сразу несколько выставок Алексея Леонова путешествуют по России, Беларуси и Украине. Это дает возможность широкого общения с теми, кто нуждается в его искусстве и его мировоззрении. А в наше сложное время, когда идет ломка старого сознания, когда приходит осознание единства человека, Земли и Вселенной, работы скульптора становятся все более востребованными, ибо они помогают ответить на многие сложнейшие вопросы, встающие перед человеком.

Во время проведения выставки в Артемовске Алексей побывал в Святогорской Лавре. Увиденная там лестница, расписанная благими пожеланиями любви и счастья вызвала восторг в тонко чувствующей душе художника: «Это обнадеживает, – говорит Алексей, – это базируется на нашей православной культуре. Неважно, какими путями мы верим в Бога, но верить важно. Все, что ни есть в жизни и в мире, пронизано Разумом. Сейчас к этому приходит большинство ученых – без Высшего начала мир создаться не мог, случайно такое не происходит. Я верю, что в основе всего есть Высшее начало.

Художника волнует крайнее критическое состояние нашего космического дома, оставленной нам в наследство Планеты Земля, которая сейчас на грани катастрофы из-за того, что мы не можем найти общий язык с самыми близкими существами. Алексей Леонов говорит: «Зачем далеко ходить, в семьях редко находят общий язык, а семья – это прототип государства. От взаимоотношений, от гармонии в семье, от того, как мы воспитываем детей, что и сколько мы в них вкладываем, зависит наше будущее. Многие сейчас считают, что достаточно в детей вложить материальные ресурсы. Ничего подобного. Это последнее, что важно детям. В первую очередь, важно вложить лучшие чувства, приучить ребенка к уважительному отношению к знаниям, к желанию учиться. Каждый человек – индивидуум, мы все не похожи друг на друга, но вложить универсальное стремление к знаниям – это, я считаю, самое важное. А дальше человек уже сам сложит свой путь. Важно, чтобы это было знание тех законов, по которым складывается человеческая жизнь, законов гармонии, взаимопонимания, отдачи. Этому учат, в общем-то, все религии. И наша в первую очередь. Та религия, которую принес Великий Учитель Любви».

Именно эта отзывчивость на боль и страдание человека, окружающего мира и нашей обители планеты Земля и определяет творческое кредо молодого талантливого мастера. Сам он говорит об этом: «Моя творческая концепция – объединение людей на почве вечных ценностей, высших устремлений человеческого духа. Я чувствую боль Планеты, и стараюсь воплотить энергии Добра и Красоты, чтобы наполнить ими наше пространство и вернуть миру светлые, вечные основы Бытия!».

Устремляясь в будущее, Алесей Леонов, всем своим творчеством, чистой и светлой душой, думает о вечном и одаривает нас светом любви и красоты.